"Der er kun én ting, der er værdifuld i kunsten: det, man ikke kan forklare." - Georges Braque
Fra vægmalerier til oliemaleri - kunstens verden har ændret sig meget gennem tiden. Med bevægelser som klassicisme, romantik, symbolisme, flamsk maleri, pop art osv. har kunstverdenen både nationalt og internationalt ændret sig meget siden "Medusas flåde", "Guernica" og "Mona Lisa".
I denne artikel vil vi se på kunst gennem tiden: forhistorisk maleri i grotter, maleri i antikken og middelalderen, renæssancen, barokken og rokokoen, nyklassicismen og realismen samt moderne og nutidig kunst.
Forhistorisk maleri
Maleri er meget ældre, end man skulle tro. Hulemennesker begyndte at male i Magdalenien-perioden mellem 17.000 og 10.000 f.Kr. Generelt malede man med tre farver: kulsort, rød okker og gul okker. Disse farver kom fra mangan og jern.
I den tid lavede man ikke portrætter eller stilleben. Faktisk malede forhistoriske mennesker generelt dyr som heste, bisoner og mammutter. For at give deres værker dybde brugte de bump og fordybninger i de vægge, de malede på.
Uanset om det var rituelle eller kunstneriske udtryk, er disse malere stadig genstand for en masse arkæologisk forskning. De fleste hulemalerier er fundet i Frankrig og Spanien, og Lascaux-hulerne i Frankrig er blandt de mest populære for folk at besøge.
Forståelse af, hvad forhistoriske malerier repræsenterer
I vores verden har vi hele industrier, der er bygget op omkring forskønnelse af vores boligområder. Indretning, boligforbedring og ombygning, de butikker, der sælger disse varer, de fabrikker, der fremstiller dem, og de tv-shows, der reklamerer for dem og gør-det-selv-projekter.
Og så er der dem, der har bygget deres karriere på at indrette andres hjem. Er alt dette symptomer på en ny fase i den menneskelige udvikling?
Nej. Som det fremgår af malerierne fra Lascaux-hulen, har boligindretning eksisteret i al evighed. Men det er først i det sidste århundrede eller deromkring, at det har udviklet sig til en række supplerende industrier.
I det meste af menneskets civiliserede eksistens var det kun de rigeste og de mest velhavende mennesker, der havde råd til tæpper, gobeliner, malerier og vinduespartier. Vinduer, vægge og gulve i de fattigere boligområder blev normalt ikke udsmykket.
Det betyder ikke, at de, der ikke var født i adelsslægten, ikke længtes efter dekorative detaljer.
Selv om mange mennesker forbinder kunst med kultur er der en dybere, mere grundlæggende grund til, at vi søger at forskønne vores boligmiljø, nemlig det at mennesker længes efter skønhed.
Vi er ikke de eneste dyr, der higer efter tiltalende visuelle billeder. Tænk på alle de eksempler i naturen, hvor dette er tydeligt: storslåetheden i en løvemane, det majestætiske i en påfuglehale eller farverne og mønstrene i sommerfuglevinger, for blot at nævne tre.
Hvis en påfugl ikke er tilstrækkeligt imponerende i sin fremtoning, vil påfugle undgå deres tilnærmelser. Det samme gælder for stort set alle arter.
Er vi ved at reducere verdens ældste hulemalerier til en række visuelt tiltalende billeder, som blev tegnet, da huleboerne ikke havde andet at lave? På ingen måde. Der er mere i historien.
Arkæologer og sociologer har draget paralleller mellem Lascaux-hulernes kunstværker og bushman-stammernes kunstværker i det sydlige Afrika. De konkluderer, at denne kunst er af åndelig karakter, muligvis ætset ind, mens man var i trance.
De finder også dyreparringerne betydningsfulde. Analysen viser, at de blidere dyr som heste og hjorte har en tendens til at være grupperet, mens de mere aggressive dyr som bison og urokse er afbildet som mere konfronterende.
Det er klart, at der var en vis intellektuel forståelse af de dyr, der omgav disse tidlige kunstnere, samt en intuitiv forståelse af farverne, for ikke at tale om den dygtighed, hvormed de blev gengivet.
Uanset om disse og andre hulemalerier blot skulle skildre stammens jagthistorie, feberen i åndelige trancer eller blot forskønne beboernes boligområde, beviser de uden tvivl menneskets trang til at udtrykke sig med alle mulige midler.
Maleri i antikken
Maleriet har udviklet sig gennem tiden, men de grundlæggende principper er stadigvæk gældende. I antikken malede grækerne væggene på deres villaer og andre arkitektoniske værker. De malede generelt billeder af mennesker, dyr eller religiøse værker med detaljer om ritualer og ofringer.
Græsk maleri er også berømt for at blive vist på keramik. Rød og sort blev almindeligvis brugt til at male billeder af det græske hverdagsliv.
Denne stil ville også påvirke det romerske maleri. I Italien udsmykkede malere deres villaer med landskaber og skabte nogle af de tidligste optiske illusioner.
Hvordan maleriet udviklede sig i oldtiden
Med hensyn til kunstskabelse som med hensyn til det meste andet var grækerne førende inden for kunst.
I begyndelsen, i den arkæiske periode, viste deres malerier motiver i ret formelle stillinger, hvor de stod lige med mindst én arm hængende ved siden af sig selv. Statuerne fulgte det samme mønster.
Den klassiske periode fulgte den arkæiske periode. Den klassiske græske kunst viste mere afslappede personer, nogle gange endda i aktive stillinger, hvor de holdt våben eller musikinstrumenter. Statuerne fulgte tendenserne i den malede kunst; Zeus på Olympia er et perfekt eksempel herpå.
I den hellenistiske æra blev emnet udvidet. Tidligere var det kun ærværdige figurer, der blev fremstillet i kunsten: guder og gudinder, statsmænd og soldater. Den fortsatte erobring af territorier gav de bedste kunstnere i denne tidsalder et væld af nyt materiale at male og skulpturere. Nu blev også "almindelige" kvinder og børn behandlet med kunstnerpensler.
Hades bortfører Persephone er en fresko malet på en kongelig grav i Makedonien, der ikke kun illustrerer en komplet scene - en hestetrukket vogn med en beslutsom Hades, der kæmper for at holde sit panikslagne kidnapningsoffer tilbage, mens hendes mor ser på med forfærdelse og andre kæmper for at komme væk.
Detaljeringsgraden - helt ned til Hades' brændende krøller - og graden af udførelse viser, hvor langt malerkunsten havde udviklet sig. Det viser også menneskets evne til at fortælle historier og vores behov for mytologi.
Den hellenistiske periode bragte også landskaberne frem i forgrunden. Friser med landskaber, der indtil da stort set ikke havde været et kunstnerisk element, anses generelt for at afspejle de hellenistiske forfatteres historier; de var ofte at finde i de rigere hjem som et pædagogisk redskab.
Mosaikker og skulpturer var også fremtrædende i den hellenistiske periode. Venus de Milo er nok den mest berømte statue fra den periode.
Middelalderen og håndskrifter
Maleri i middelalderen var meget ualmindeligt i hverdagen. Generelt blev det kun brugt til at illustrere manuskripter som timebogen, den kristne andagtsbog, der beskriver, hvornår og hvordan tilhørerne skal bede.
Illuminerede manuskripter var blandt de mest almindelige eksempler på middelalderlig kunst.
Lidt senere begyndte kunstnere at male på træplanker. Pergament blev stadig brugt, men træpladerne blev brugt som lærred. Kunstnerne forsøgte at beskæftige sig med perspektiv i deres værker. Giotto di Bondone og Cimabue er blandt de mest berømte middelalderlige malere.
Mens malerne beklagede sig over manglen på materialer til at male med eller på og manglen på mæcener til at støtte deres kunst, blomstrede andre kunstneriske udtryksformer i denne periode.
Mosaikteknikken, som først blev udforsket i den hellenistiske periode, blev forbedret betydeligt i denne periode. Med flere farver og mere forskelligartede emner at skildre dyrkede byzantinske kunstnere især deres talent for mosaik.
Byzantinske mosaikker var overvejende religiøse, men denne kunstform var ikke kun forbeholdt kirker. Andre bygninger, hvis vægge ikke egnede sig til maleri eller andre udsmykninger, kunne nemt bære et mosaikovertræk.
Desværre førte udbredt uenighed om, hvorvidt der skulle være afbildninger af religiøse figurer, til ødelæggelse af de fleste mosaikker fra den tid.
Byzantinerne gjorde mest ud af indlagte fliser, og deres freskomalerier tog over, hvor friserne slap.
Middelalderens freskomalerier skildrer hele historier, som regel religiøse, og de blev malet på stort set alle mulige overflader, herunder kirkelofter.
På grund af deres næsten permanente karakter - fresker males på stadig vådt kalkpuds, så når væggen tørrer, bliver malingen en del af selve væggen - blev denne malemetode hurtigt en stor favorit i hele Europa.
Mens byzantinerne og karolingerne havde et hjørne af markedet for malerier og mosaikker, vendte angloamerikanerne sig mod metalarbejde som deres kunstneriske udtryksmiddel.
Angelsaksiske kunstværker er komplekse, detaljerede, indviklede og lyse. Smykker, rustninger og selv vægudsmykninger blev dygtigt udformet af guld og sølv og i mindre grad af bronze, der blev poleret til højglans.
Renæssancen og lærredets begyndelse
Renæssancetiden var en revolution inden for maleriet. Malerne begyndte at bevæge sig væk fra et enkelt religiøst billede og begyndte at male verden omkring dem og portrætter.
Leonardo da Vinci, som mange betragtes som den bedste maler nogensinde, bragte videnskaben ind i kunsten. Da Vinci brugte videnskaben til at hjælpe ham med at studere den menneskelige anatomi og male mennesker mere realistisk.
Lærredet ændrede den måde, man malede på. Selv om der stadig blev brugt træunderlag, gik flere og flere kunstnere over til lærreder. Dette er også begyndelsen til at male med et staffeli.
Perspektivet begyndte at dukke op i maleriet. Fra Angelico, Andrea Mantegna, Le Tintoret, Sandro Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci, Michaelangelo, var de mest berømte kunstnere fra den tid italienere. Den hollandske skole gjorde sig dog også bemærket. I Nordeuropa var der malere som Lucas Cranach den Ældre og Pieter Bruegel den Ældre.
Højrenæssancen fandt sted mellem 1500 og 1530 og anses for at være maleriets højdepunkt. Leonardo da Vinci flyttede til Frankrig på ordre af Frans I af Frankrig og skabte sfumato, som gjorde det muligt for ham at blødgøre overgangen mellem farverne. Kunstnerne bevægede sig i retning af manierismen. Dette markerede begyndelsen på barokperioden
Barok- og rokokomaleri
I begyndelsen af det 17. århundrede begyndte malerne at bevæge sig væk fra renæssancemaleriet, hvilket gav anledning til barokmaleriet.
Nogle af de største renæssancemalere er bl.a:
- Caravaggio
- Rembrandt
- Rubens
- Vélasquez
- Poussin
- Georges de la Tour
- Vermeer
Caravaggios værker er meget repræsentative for barokmaleriet. I modsætning til renæssancemalerier skildrer barokmaleriet dystre og tragiske scener. Kunstnerne legede regelmæssigt med lys og skygge for at fremkalde følelser i værket.
Kunsthistorikere bemærker, at chiaroscuro-teknikken gav indtryk af, at motiverne var oplyst af stearinlys. Der er en stærk brug af kontrast.
Senere invaderede rokokostilen Europa. Dette var en lettere stil, der undertiden var erotisk. Denne dekorative stil blev brugt til møbler, og rokokostilen blev jævnligt fundet ved kongelige hoffer og i adelssfæren. Watteau, Chardin og Fragonard i Frankrig var standardbærere for stilen.
Fra neoklassicisme til realisme
Det 19. århundrede var en turbulent tid for kunstneriske bevægelser. Stilarter og bevægelser kom tæt og hurtigt, og dette århundrede var et af de vigtigste i kunsthistorien.
Mod slutningen af det 18. århundrede længtes mange malere efter en tilbagevenden til enkelhed. Rokokostilens frivolitet og barokkens mørke fik malerne til at ønske at vende tilbage til det klassiske maleri. I oplysningstiden opstod den nyklassiske bevægelse, da man opdagede ruinerne af Pompeji. Den antikke stil fungerede som et forbillede for kunstnere, der ønskede at vende tilbage til deres rødder. Denne bevægelse banede vejen for romantikken.
Eugène Delacroix' romantik
Den romantiske bevægelse var en af de vigtigste kunstneriske bevægelser i kunsthistorien. Store malere som Eugène Delacroix, Théodore Géricault og Francisco de Goya var en del af en bevægelse, der fremkaldte stærke følelser og melankoli. Lærrederne forestillede ofte begivenheder af naturkatastrofer. Bevægelsen afspejlede en vilje til at vise, at naturen er stærkere end mennesket. Der findes lærreder af massakrer, skibsforlis osv.
Gustave Courbet og realismen
Den realistiske bevægelse, der fungerede som et stedfortræder for fotografiet, havde en tendens til at skildre virkelige begivenheder. Langt fra den romantiske bevægelses fantasi og æstetik ønskede realistiske malere i det 19. århundrede at vise mennesker i centrum af deres værker. Sociale forandringer, hverdagslivet, maskinernes ankomst osv. De realistiske malere viste livet med samme troværdighed som fotografiet (før det overhovedet blev opfundet).
Da fotografiet kom frem i slutningen af det 19. århundrede, var det ikke længere nødvendigt for kunstnerne at male realistisk. Lidt efter lidt blev maleriet et redskab til at udtrykke sig.
Moderne og nutidigt maleri
I 1872 blev Claude Monets "Impression, solopgang", som er en af verdens mest berømte malerier, udstillet i Salon de Refusés i 1872. Da det var langt fra tidens accepterede akademiske stilarter, blev det skånselsløst hånet og latterliggjort af kritikerne. Et maleri, der viser en hverdagsbegivenhed snarere end de dybtgående begivenheder, der jævnligt blev vist i malerier gennem historien.
Den impressionistiske bevægelse var født. Faktisk tog impressionismen sit navn fra Monets maleri "Impression, solopgang".
Det, der fulgte, var mange kunstnere, der malede med en anden tankegang. Cézanne, Gauguin og Vincent van Gogh fortsatte med at male landskaber og stilleben af alle slags. Fauvismen og Pont-Aven-skolen forstærkede ideen om, at den moderne kunst var kommet for at blive.
Nogle få år senere ville det moderne maleri dukke op sammen med den berømte Pablo Picasso. Med sit maleri "Demoiselles d'Avignon" satte Picasso sit præg på kunstverdenen med et dekonstrueret værk, der manglede perspektiv eller nøjagtige menneskelige proportioner. Dermed lagde kunstneren grunden til kubismen.
Sammen med sin ven Georges Braque skubbede han kunsten til dens grænser. Derefter kom den abstrakte kunst med Kandinsky, dadaismen med Marcel Duchamp og Francis Picabia og Dali og Magritte med surrealismen.
Bevægelser, der for altid ville ændre det 20. århundredes kunstneriske landskab og påvirke kunstnere den dag i dag.
Kunstbevægelser, der knap nok blev registreret, og nogle, der gjorde
I slutningen af det 19. århundrede oplevede man en eksplosion af kunstneriske udtryk, især på lærred. Nogle af disse kunstbevægelser fik en varig indflydelse på, hvordan kunst opfattes, mens andre redefinerede selve begrebet om, hvad man kan kalde kunst.
Fauvismen var en kunstbevægelse i Paris i begyndelsen af det 20. århundrede, som kun varede i omkring tre år. Fauverne - de unge, vilde malere - undgik den for tiden typiske standardrepræsentation og gik i stedet ind for usandsynlige farver og uregelmæssige penselstrøg
På trods af sin korte levetid siges fauvismen at have påvirket kunstens retning.
I hælene på fauvismen fulgte kubismen, en noget længerevarende og mere fremtrædende bevægelse, som Pablo Picasso stod i spidsen for. Hans mest berømte proto-kubistiske værk, Les Demoiselles D'Avignon, var mere chokerende på grund af sit emne end på grund af sin avantgarde-stil.
Det er almindeligt antaget, at den kubistiske bevægelse er et ekko af den periode, hvor mosaikkunst var mest efterspurgt.
Kunstkritikeren Jean Béral bemærkede faktisk om et af kubisternes malerier, at hans værk giver indtryk af mosaik.
Ud over Picasso var George Braque en tidlig kubist. Senere blev Jean Metzinger, Henri le Fauconnier og Albert Gleizes ivrige skabere af kubistisk kunst.
Omkring 1917, da kubisternes indflydelse aftog, kom dadaismen frem i lyset.
Ingen ved præcis, hvor udtrykket for denne bevægelses navn er baseret på - nogle har mistænkt, at det stammer fra franske børns beskrivelse af at sidde på en legetøjshest.
Dadaisternes fokus var at påpege det absurde. Dada-kunstnere afviste konventioner, logik og ræsonnement. Deres hensigt var at afsløre det irrationelle i alt fra kapitalisme til æstetik.
Denne kunstbevægelse strakte sig langt ud over maleriet. De lånte faktisk fra den kubistiske bevægelse for at skabe collage og fortsatte med at udforske brugen af rummet gennem installationskunst og montager, der viser usandsynlige elementer sammen med hverdagsscener.
Blandt de fremtrædende dadaister kan nævnes Louis Aragon, Paul Dermee, Celine Arnaut og Andre Breton.
I de fire år, som bevægelsen var aktiv, fra 1916 til 1920, blev den kunst, der blev skabt, skiftevis hyldet og foragtet. I sin dødskamp banede dadaismen vejen for surrealismen, som af nogle anses for at være en mere acceptabel kunstform, og i sidste ende for postmodernismen.
Sidste ord om dadaisme: Musikkunstnere som Alice Cooper og Frank Zappa var stærkt påvirket af denne kunstbevægelse.
Surrealismen fulgte Dada-bevægelsens altomfattende rækkevidde. Det var ikke kun en kunstbevægelse, men også en kulturel bevægelse.
Salvador Dali er den mest kendte surrealist, men andre, herunder André Breton, havde til hensigt at konsolidere opfattelser af bevidste og ubevidste realiteter til en absolut virkelighed.
Når Dalis smelteure fortolkes på denne måde, får de en mere dybtgående betydning.
Overraskelser, non-sequiturs og udsmykning af det almindelige med ekstraordinære elementer er kendetegnende for den surrealistiske bevægelse. Ligesom dadaismen berørte surrealismen alle aspekter af det kunstneriske udtryk fra musik til litteratur. Ikke engang teaterforestillinger var immune over for surrealistisk lune.
Den surrealistiske bevægelse varede i 30 år, hvorefter mere konventionelle kunstopfattelser fik mere udbredt fodfæste.
Nutidens postmodernistiske bevægelse beskæftiger sig med mere dagligdags værdier. Den udtrykker ironi og skepsis over for store ideer som religion og social sammenhængskraft og foretrækker i stedet at tale om minimalisme, symbolisme og ytringsfrihed.
Uanset hvilken slags kunstværker du ønsker at studere eller skabe, kan du overveje at få en privatunderviser til at hjælpe dig med at lære mere om kunst gennem tiden, en bestemt maler, verdens største maleri, grafik, skulptur, akryl, abstrakt maleri, fin kunst, stilleben, landskabsmaleri, hvordan man laver et selvportræt osv. Derudover kan du også se malerier af forskellige kunstnere på et kunstmuseum.
Der er tre typer af undervisning, som du kan få på Superprof: personlig undervisning, onlineundervisning og gruppeundervisning.
Personlig undervisning har tendens til at være de dyreste, men de er også de mest effektive.
Onlineundervisning er billigere, fordi underviseren ikke skal betale for transportomkostninger. De kan dog mangle det personlige præg, fordi de foregår over et webcam.
Endelig er gruppeundervisning billigst, da alle eleverne deler udgifterne til en undervisning
Det er op til dig at vælge den, der passer dig bedst for at lære mere om kunst gennem tiden.
Kunne du lide denne artikel? Skriv en anmeldelse!
Loading...
